Findings from the archive of the Klaus Kuhnke Institute for Popular Music

Jazz composer/arranger/big band leader Maria Schneider comes from the US province and has built up a reputation as an outstanding orchestra leader over the course of her career. In 1992, she founded her own 18-piece orchestra, for which she has been writing large-scale pieces and presenting them live around the world ever since. The success story of the Maria Schneider Orchestra began with a weekly engagement at the New York club “Visiones”, which lasted for several years.

The jazz orchestra's first album was released in 1994. This was followed by two further studio albums (1996 and 2000) and a live recording (also in 2000). Before Maria Schneider attracted international attention with her big band in the 1990s, she had the opportunity to assist Gil Evans, the innovator of concertante big band jazz, in the second half of the 1980s.  

Schneider's fourth studio album “Concert in the Garden” was released in 2004 as a download version on ArtistShare.com, the first commercial crowdfunding platform with its own label on the Internet. The album made music history because it was the first fan-funded music project to be released without a regular recording and still win a Grammy Award (in the category “Best Large Jazz Ensemble Recording”).

The download album consists of five parts: a 12-minute opening piece, three pieces entitled Romances, each around nine minutes long, and a large closing piece lasting over 18 minutes. The critics received the five recordings enthusiastically and praised above all the balance of tonal beauty and compositional complexity as well as the organic transitions between composed and improvised passages. The music is both intimate and powerful and moves playfully between classical, jazz and Latin American music.

The quality of the album ultimately also impressed the Library of Congress. “Concert in the Garden” was selected for inclusion in the prestigious National Recording Registry in 2020. With the new recordings in the National Recording Registry, the total number of titles in the registry increased to 550 - this is only a small part of the Library of Congress' huge collection of sound recordings, which comprises more than three million items.

The Klaus Kuhnke Institute has a burned data CD of the Download album in its collection, on which the breathtaking music is archived. And that makes sense, because you won't find “Concert in the Garden” on the usual streaming services.   

In the building of the music department of the HfK Bremen, there is a striking chair in the first floor corridor leading to the Klaus Kuhnke Institute. It bears the inscription “Wild Style” and has a graffiti look.Few people in the building are probably aware of what this artistic object refers to. The reference is to “Wild Style”, a hip-hop film that went down in the annals of film history as the first of its kind.

The feature film by Charlie Ahearn (screenplay, director and producer) has a documentary character, as it uses many real artists of the time as its protagonists. The independent film was shot in 1981 and 1982 in New York, mainly in the Bronx district. It is interesting to note that “Wild Style” was only able to be produced thanks to initial funding from ZDF, i.e. with public funding from Germany. The film was released in cinemas in 1983 and became an international success with enormous impact.

The special thing about the film is that it documents the early development of hip-hop culture and its individual components, making them accessible to a wide audience (graffiti art, DJing, MCing and rapping, B-boying and breakdancing, street style fashion and streetball). In other words: art, music, dance, fashion and sport are depicted here on a more or less equal footing and their artistic symbiosis is highlighted.  However, the focus is not on chanting or the then new beat, which was based on record samples or so-called breaks. Instead, it is about the boundary or transition between street art and established art.

The storyline of the film: “Wild Style” tells the story of Raymond alias Zoro (Lee Quiñones), a celebrated but anonymous graffiti artist from the Bronx, who clings to his outlaw existence and the street credibility associated with it, while around him more and more sprayers get booked for legal, paid murals on playgrounds, for example, and enjoy the growing media attention.The film focuses on the emerging interest of the media and the established art scene in hip-hop culture, which had developed within the Latin and African-American communities.

This DVD was released in 2007 to mark the 25th anniversary. Another five years later, a Blu-ray disc was released to mark the 30th anniversary. The film is now over 40 years old, but has lost none of its fascinating impact. The raw film aesthetic combined with authentic performances by up-and-coming artists of the time such as Fab Five Freddy, Lee Quiñones, Lady Pink, The Rock Steady Crew, The Cold Crush Brothers, Rammellzee with Shockdell, Queen Lisa Lee of Zulu Nation, Grandmaster Flash and ZEPHYR still impress today.

The bonus material on the DVD is informative: the director's commentary, a recording of the 20th anniversary party from an amphitheater, interviews with participating artists as well as excerpts from the book accompanying the film and from the CD compilation accompanying the film with the original soundtrack. Particularly illuminating is a photo collection that presents the beginnings of hip-hop in New York from around 1980. For example, you can see graffiti artists imitating works by Andy Warhol or looking at paintings by Jackson Pollock in a museum.

Predicate: artistically multi-layered. 

“Records - the big fashion. A medium celebrates itself ...”, book with 3 CDs, edited by Richard Weize et al. in collaboration with the Günter Neumann Foundation, Vollersode: ...And More Bears (label/publisher) 2024.

Our dear colleague and KKI co-partner Richard Weize (born in 1945) can't stop. The label operator and publisher, who has been awarded the Order of Merit of the Federal Republic of Germany and many prizes, is not even thinking about quitting. After selling his world-famous Bear Family Records brand in 2016, he began setting up two new labels: Richard Weize Archives (RWA) and ...And More Bears.

The latter has recently released a new publication that deals with the medium of vinyl in its usual cheerful and informative way. It ranges from Kurt Tucholsky, Emil Berliner and Joachim Ringelnatz to Friedrich Hollaender, Arthur Rebner and Günter Neumann. And, of course, the history of the phono industry is also highlighted using the example of the Ultraphon, Telefunken and Electrola brands, to name but a few.

The focus, however, is on historical texts and songs that addressed the then still relatively new medium of the record, i.e. above all the shellac record and the gramophone that went with it. For example, the cabaret artist Günter Neumann, with whose Günter Neumann Foundation the publication was realized, wrote the lyrics:

“What would the world be without gramophones?
Without records,
well, what would it be?
The world would be a mess,
if you thought the records were gone!” (S.27)

Joachim Ringelnatz also waxes lyrical and muses on the metaphysical when he writes poetry:

“Records, you round ones,
Brighten up our hours.
Loud and quiet,
Deep and bright,
As we ordered you.
Spin in circles.
The carousel
Of the spiritual world.” (S.9)

The cabaret artist Arthur Rebner talks about the conflict between the youth and the parents' generation of the time and about a specific form of music that became a commercial success thanks to the new medium:

“When in twenty million family wombs
Sons and daughters of all sizes
On twenty million speaking machines
(Partly for cash and partly in installments)
Play the latest hit record
And it doesn't help concrete door and ear cotton
And they become ripe for the padded cell
And finally beat to death with a trowel
In the persecution mania uncle, aunt and brother-in-law, -
That's the hit!” (S.11)

And so the publication presents a selection of 45 hits on three CDs, with such wonderful titles as “Mein Schatzi hat ein Grammophon” (Dance orchestra Paul Godwin with chorus vocals: Heinz Wernicke, Gramophone 1930), “Such‘ in meinem Plattenschrank” (Lys Assia - Willy Stanke und sein Orchester, Decca 1957) or “Leg mal ’ne neue Platte auf” (Katja Holländer, Polydor 1965). In this way, a musical spectrum is shown that starts in the 1920s and extends into the 1960s, thus negotiating the transition from shellac to vinyl records.

"Das Fußballmatch" (sheet music), marching fox (for voice), music: Hans Lang, arrangement: Otto Tiersfeld, words: Erich Meder, Schrammel-Quartett-Reihe No. 326, Vienna: Ludwig Doblinger Verlag 1948 (no page reference). 
The European Men's Football Championship celebrated in Germany keeps fans from all over the world in suspense. (Popular) music is once again playing a major role, whether live or as playback at the opening and farewell ceremonies, at the start of each international match when the various national anthems are played, as canned music during breaks or in the form of fan chants in the stadium. But there is also plenty of music in the streets and squares, as the music industry offers many soccer songs for the public to party to. The search is on for the latest soccer hit for the "new summer fairytale".

But you don't have to rely on the latest music productions. You can also use older hits if you like. For example, we have "Das Fußballmatch" from 1948 on offer. This light-hearted piece is presented in Viennese dialect and was written by the composer Hans Lang (1908-1992), who wrote a lot of film music, entertaining pieces and Viennese songs. The lyricist was Erich Meder (1897-1966), also from Austria, who contributed the words to numerous hits and Viennese songs. The text deals with the sufferings of a fan who has to watch his team lose.

Such cheerful songs about soccer are not uncommon. A long tradition of ironic and unintentionally comical pieces, some performed by soccer greats themselves, extends right up to the present day. Who doesn't fondly remember Franz Beckenbauer's "Gute Freunde kann niemand trennen" from 1966 or the "Mexico mi amor" sung by Peter Alexander and the German national team for the 1986 World Cup in Mexico? Also unforgotten in Bremen is the hit by the showpiece Brazilian Ailton. With "Sensation" from 2012, Werder's ex-"Kugelblitz" achieved a similar feat when he told the green and white supporters about his own striker qualities, singing in a mix of Portuguese and German.

We recently received a parcel containing sound recordings and graphic material by Schifkof. Schifkof was a group of artists that formed during the reunification period and lasted for about 10 years. The participants included visual artists and musicians, more specifically Udo Dettmann, Andrea Häfer, Andreas Hartrodt, Hans Hermann Hennig, Silke Hennig and Ulf Rickmann; Reinhard Lippert joined later. ‘As we came from Hamburg and Schwerin, i.e. from the GDR and the FRG, a so-called German-German group of artists was formed, with the aim of presenting the acoustic and the visual on an equal footing. We called our works optophonic installations,’ reads the accompanying letter. This indicates the genre of art: it is sound art or installations/performances with experimental music and sound elements. One could also speak of audio pieces that relate to images and texts or vice versa.

‘Image and Sound’ is presented here as an example. The ‘Schalldokument zu drei optophonen Bildinstallationen von Udo Dettmann und der Gruppe Schifkof’ consists of a limited edition box (250 pieces) with three vinyl discs and an accompanying booklet with black and white photos and texts. Each of the three discs contains a piece or a live performance. The titles are: 1) Ist Schulz Wagner, 2) Ich möchte dein Hund sein, 3) Heimatklänge. The three pieces have an average length of around 50 minutes and are each spread over two disc sides of 25 minutes each. Conspicuous stylistic devices are horizontal soundscapes, recorded audio snippets from radio or television programmes and discreetly orchestrated sections, some with spoken or sung lyrics. In addition to the synthesiser and piano, electric and bass guitars are also used, as well as drums, a cello and a zither. Sounds are also produced with the help of a slide projector, a coffee machine and a printer. Various ‘toys’ are also used to create sounds. The pieces develop slowly and are sparsely structured. Eruptive outbursts are largely absent. The concentrated, dynamically differentiated basic mood is atmospheric and invites the listener to immerse themselves in the intense listening experience.

Is this popular music? Not in the strictest sense, but certainly inspired by it; especially in the passages where Krautrock and free jazz borrowings become audible. In these psychedelic sections, polyrhythms and atonal sounds merge with environmental noises and voices. Patterns form from time to time. At times, one is reminded of IDM elements of electronic dance music. However, simple melodies, chord sequences or continuous beats are nowhere to be found. In any case, it is subtle media art that is now more than 30 years old.

The following can be read about the group's approach to the creation of the pieces and the setting of the performances in the accompanying letter: ‘Our works were not improvised, but repeatable. Not note for note, but there were precise instructions. The form of presentation was initially concertante, the actors and the equipment were part of a sparse stage set. [...] There were a series of concerts in galleries and concert halls until the end of the 90s.’
 

Jede/r, der/die sich eingehend mit Jazz auseinandersetzen möchte, sucht es: das eine Buch, welches die Essenz dieser Musik erfasst und auf den Punkt bringt, am besten anhand von konkreten Beispielen. Es gab viele Versuche, das ultimative Jazz-Lehrbuch zu präsentieren. Auch der US-amerikanische Jazz-Flötist/Saxophonist und Psychologie-Professor Mark Charles Gridley hat es probiert – und war dabei ziemlich erfolgreich. Die erste Auflage seiner Schrift „Jazz Styles“ erschien 1978. Die bislang letzte, 11. Ausgabe wurde 2013 veröffentlicht. Parallel dazu ist eine gekürzte Fassung unter dem Titel „Concise Guide to Jazz“ auf den Markt gebracht worden, die mittlerweile auch schon in der 7. Auflage vorliegt.

An dieser Stelle wird die 5. Auflage des umfangreichen Buches „Jazz Styles. History and Analysis“ (422 Seiten) kurz beleuchtet. Ihr sind zwei Audio-Kassetten beigegeben, die mit vielen Hörbeispielen aufwarten. Auf der einen Kassette werden die instrumentalen Grundlagen von Jazzmusik erklärt, das heißt typische Spielweisen des Schlagzeugs, des Basses und des Pianos sowie diverser Melodieinstrumente. Aber auch basales Know-how in rhythmischer, harmonischer und melodischer Hinsicht wird vermittelt (z. B. Comping and Syncopation, Chords and Chord Progressions oder Octave-Voiced Piano Lines). Die zweite Kassette enthält Ausschnitte aus kanonisierten Jazzaufnahmen, die vom Autor eingeführt und kurz kontextualisiert werden. Die Beispiele zeigen die musikhistorische Entwicklung in chronologischer Reihenfolge, beginnend mit der Original Dixieland Jazz Band und endet mit Weather Report.

Die Hörbeispiele enden in den 1970er Jahren, weil die erste Buchausgabe 1978 erschienen ist. Die vorliegende Ausgabe aus dem Jahr 1994 schreibt zumindest im Text die Jazzgeschichte fort bis zum Kapitel „Jazz-Rock Fusion“. Dort werden neben Weather Report der Bassgitarrist Jaco Pastorius und der Gitarrist Pat Metheny hervorgehoben als stilbildende Musiker. Kurze Abschnitte behandeln zudem die Sub-Stilistiken New Age und Fuzak sowie die Popularität von Jazz-Rock bzw. Fusion Jazz zu Beginn der 1990er Jahre.

Der überwiegende Teil der Publikation orientiert sich jedoch an einem klassischen Jazz-Narrativ. Die Geschichte dieser Musik wird eingeteilt in vormodernen und modernen Jazz, wobei die Anfänge des modernen Jazz in den 1940er Jahren verortet werden. Die Kapitelüberschriften zum vormodernen Jazz lauten: Origins of Jazz, Early Jazz: Combo Jazz prior to the middle 1930s, Swing: The early 1930s to the late 1940s, Duke Ellington sowie The Count Basie bands. Der moderne Jazz wird in zwei Teilen behandelt: 1) The early 1940s to the early 1960s sowie 2) The early 1960s to the early 1990s. Beide Teile decken die typischen Schlagworte bzw. Künstler ab: 1) Bop, Cool Jazz, Hard Bop, Miles Davis and his groups and sideman sowie John Coltrane; 2) 1960s and 70s Avant-Garde and “Free” Jazz, Bill Evans/Herbie Hancock/Chick Corea/Keith Jarrett sowie Jazz-Rock Fusion.

Die historische Darstellung ist eingerahmt von Ausführungen zu den Basics of Jazz (Definition, Improvisation etc.) und einem ausführlichen Appendix (Elements of music, Guide to album buying, Guide to jazz videos, Glossary, Supplementary reading, Sources for notated jazz solos, For musicians, Index). Zudem gibt es viele Fotos, Grafiken und Infoboxen. Notenabbildungen gibt es nicht, da sich die Publikation als Grundkurs bzw. Einführung versteht, die sich an Anfänger:innen richtet. Ursprünglich wurde der Text verfasst für fachfremde Studierende an Hochschulen bzw. Universitäten. Das Buch ist pädagogisch sinnvoll aufgebaut und operiert beispielsweise mit Kapitelzusammenfassungen. Aus europäischer Sicht fällt auf, dass die historische Darstellung stark verengt ist auf den US-amerikanischen Jazz. Nicht ein einziger europäischer Jazzmusiker wird erwähnt, geschweige denn eine Musikerin! Insofern wirkt die Publikation etwas aus der Zeit gefallen bzw. sehr traditionell. Nichtsdestotrotz liefert sie pointierte Informationen zu verschiedenen Aspekten des Jazz. 

Bei diesem Liederbuch handelt es sich ganz klar um politische Literatur bzw. Musik. Es ist im Umfeld der Anti-Atomkraft-Bewegung entstanden, die sich in den 1970er-Jahren als soziale Bewegung formiert hat und im internationalen Vergleich in Deutschland besonders stark ausgeprägt war. Die Bewegung bestimmte den öffentlichen Diskurs in der Bundesrepublik über Jahrzehnte hinweg nachhaltig und hat dank ihrer Beharrlichkeit dazu geführt, dass am 15. April 2023 die drei letzten Atomkraftwerke Deutschlands (Isar 2, Emsland und Neckarwestheim 2), die noch in Betrieb gewesen waren, abgeschaltet wurden. Insofern ist der musikalisch-politische Bezug zur Gegenwart gut zu erkennen.

Das handliche Büchlein wurde für den Einsatz auf Demonstrationen konzipiert. Dazu schreiben die Herausgeber:innen von der Bremer Bürgerinitiative gegen Atomenergieanlagen (BBA) im Vorwort: „Dieses Liederbuch ist aus unserer Not entstanden, immer mit 4 oder 5 verschiedenen Heftchen herumlaufen zu müssen, wenn wir etwas singen wollen. Es ist also vorwiegend ein 'Gesangbuch', deshalb haben wir darauf verzichtet, erklärende Texte zum Entstehen der Lieder und zu den Kämpfen an den jeweiligen Standorten zu geben. Im Register wird deshalb auf Texthefte, Liederbücher und Schallplatten verwiesen, in denen mehr Inhaltliches steht. [...] Schickt uns neue Lieder und schreibt, welche rausbleiben könnten, weil man sie sowieso nicht singt. Wir konnten leider nicht alle Lieder, die wir gesammelt haben, aufnehmen, da man das Buch ja bequem zur nächsten Demo mitnehmen soll.“

Offenkundig ist der Do-it-yourself-Ansatz der Publikation, die mit einer Schreibmaschine erstellt und durch zahlreiche handgeschriebene Überschriften, Notensätze, Zusatztexte und Zeichnungen ergänzt wurde. Auf 230 engbedruckten Seiten sind circa 100 Lieder mit deutschen Texten versammelt. Diese wurden in erster Linie nach Standorten von Atomkraftanlagen geordnet, es gibt beispielsweise Lieder zu Brokdorf, Gorleben oder Rehling bei Augsburg. Aber auch die Schweiz als Atomkraftnation wird besungen, ebenso wie die französische Gemeinde Malville. So deutet sich die Internationalität der Bewegung an. Darüber hinaus findet man Lieder, die allgemeinen Charakter haben, zum Beispiel den „Anti Paranoia Blues“, „Das Lied vom Schutzmann“ oder „Das 'Es-kann-gar-nichts-passieren'-Lied“.

In der vorliegenden zweiten Auflage wurde einiges neu gemacht, wodurch die Vitalität der Anti-AKW-Bewegung Ende der 70er Jahre sichtbar wird: „Viele Lieder, die im vergangenen Jahr entstanden sind, wurden neu aufgenommen. Wenige alte Lieder haben wir dafür rausgelassen. Zu sämtlichen Liedern sind jetzt die Noten abgedruckt. Wir haben uns bemüht, die Melodien in singbaren Tonhöhen zu halten. [...] Zu allen Melodien sind Harmonien angegeben, in einer einheitlichen Schreibweise.“ Am Ende des Buches gibt es zudem Hinweise, wie man Lieder selber schreiben kann. Es lässt sich festhalten, dass es sich um ein Zeitdokument handelt, das neben den politischen Impetus die Idee einer musikalischen Graswurzelbewegung stellt, bei der jede/r mitmachen kann und soll.

Manchmal spielt einem der Zufall in die Hände. Im Foyer unserer Hochschule für Künste haben wir dieses feine Notenalbum gefunden. Jemand hat es dort zum Mitnehmen abgelegt bzw. verschenkt. Nun ist es in unseren Bestand übergegangen, also sozusagen im Haus geblieben.

Dieses Koschat-Album ist der erste Teil einer mehrbändigen Ausgabe und wurde von Thomas Koschat (1845–1914) komponiert bzw. zusammengestellt. Der „Kärntner Liederfürst“ schuf im Laufe seines Lebens ein umfangreiches Werk, welches die Kärntner Volkslied-Tradition aufgriff und weiterentwickelte. Kärntnerlieder beziehen sich auf die südlichste Region Österreichs bzw. auf das Bundesland Kärnten (Landeshauptstadt: Klagenfurt am Wörthersee).

Ausgehend von Viktring bei Klagenfurt am Wörthersee zog es Koschat an die Wiener Hofoper, wo er späterhin viele Jahre Leiter des Chores gewesen ist. Mit seinen Lied-Bearbeitungen und -Neukompositionen erlangte er Popularität und tourte sogar durch Europa und Amerika. In seiner Heimat Österreich wurde ihm Ruhm und Ehre zuteil. Auch darüber hinaus, im gesamten deutschsprachigen Raum, fand sein Œuvre viel Anerkennung. Sein bekanntestes Stück ist sicherlich das „Jägerständchen“, heutzutage besser bekannt als der „Schneewalzer“.

In der hier vorliegenden, sehr hübsch gestalteten Notenausgabe, die ca. 1895 in einem Leipziger Verlag veröffentlicht worden ist, sind 20 seiner Lieder bzw. Bearbeitungen von Volksliedern versammelt. Deren Texte greifen den Kärntner Dialekt auf. Dazu heißt es in den Vorbemerkungen von Koschat: „In Folge mehrfacher, namentlich aus Norddeutschland eingelaufener Anfragen in Betreff der Aussprache und Betonung gewisser durch besondere Zeichen markirter mundartlicher Laute, sehe ich mich veranlasst dieser Ausgabe meiner volksthümlichen Compositionen einige Andeutungen voraus zu schicken.“ (sic!)

Die meist nur 2 bis 3 Seiten umfassenden Lieder tragen Titel wie „Karntner G'müath“, „Büaberl, merk dir's fein“ oder „Ew'ge Liab“. Nur das letzte Stück namens „Am Wörther See“ ist umfangreicher und beinhaltet fünf Kärntner Walzer.

Wie produktiv und populär Thomas Koschat gewesen ist, lässt sich den Werbeanzeigen des Verlags entnehmen, die in dem Album enthalten sind. Dort werden auf mehreren Seiten ganz unterschiedliche Notenausgaben des Komponisten angepriesen, mit Arrangements (zum Teil durch Dritte) für verschiedene Instrumente und Besetzungen. Die höchste Opuszahl liegt bei 100, zwanzig Jahre vor dem Tod des Komponisten. Offenbar gab es eine rege Nachfrage nach seinen Werken, die durchweg eingängig und tänzerisch gehalten sind. Bei den meisten Stücken handelt es sich um kurze Walzer.

Vom Berliner Filmverleih & Verlag Salzgeber, der sich auf queere Themen spezialisiert hat, wurde 2007 diese DVD veröffentlicht, welche drei kurze Dokumentarfilme von Greta Schiller und Andrea Weiss enthält. Die beiden US-Amerikanerinnen sind Mitte der 1950er-Jahre geboren und machen seit den frühen 1980er-Jahren gemeinsam Dokumentarfilme. Das lesbische Paar betreibt seit 1984 die Jezebel Productions, eine kleine und unabhängige Filmproduktionsgesellschaft mit Sitz in New York.

Kennen Sie die International Sweethearts of Rhythm, eine 16-köpfige Big Band? Schwarze und weiße Frauen spielten in dieser Formation gleichberechtigt miteinander. Hervorgegangen war die Gruppe aus einer Schülerinnenband aus dem Mississippi-Delta, die 1939 von einem Schulleiter gegründet worden ist. 1941 wurde die glamouröse Anna Mae Winburn neue Leiterin und zugleich Sängerin der Big Band. Auch andere professionelle Musikerinnen wie Vi Burnside und Ernestine „Tiny“ Davis stießen 1941 hinzu. Fortan entwickelte sich die Big Band zu „Americas greatest all girl band“ (ein Slogan, der auf dem Tourbus prangte). Während des 2. Weltkrieges gelang der Durchbruch. 

Nichtsdestotrotz hatten es die Sweethearts schwer, sich im Musikgeschäft durchzusetzen, weil sie eine „gemischtrassige“ Band gewesen sind. Sie spielten in erster Linie für ein schwarzes Publikum und tourten gemeinsam im Bus durch die USA. „Wir aßen zusammen, schliefen und lebten zusammen. Unser einziges Ziel war, Musik unter die Leute zu bringen. [...] Wir waren Profis, wie die Männer. [...] Louis Armstrong war einer unserer liebsten Freunde. Er mochte uns persönlich. Wie auch Count Basie oder Billie Holiday. [...] Armstrong versuchte sogar Tiny Davis abzuwerben. Er bot ihr das Zehnfache.“ Tiny: „Ich ging nicht, weil ich die Mädchen zu sehr mochte. Ich liebte sie.“ „Wir hingen aneinander. [...] Wir arbeiteten auch mit Ella Fitzgerald. Sie wurde eine sehr gute Freundin“, berichtet Anna Mae Winburn. Die Band trat sogar in Europa auf und spielte dort für amerikanische Soldaten. Allein in Deutschland verbrachten die Frauen sechs Monate und konzertierten dort beispielsweise im Nürnberger Opernhaus. Nach dem Krieg litt die Band unter den zurückkehrenden männlichen Musikerkollegen, die nun die Jobs bekamen. Außerdem gründeten viele Bandkolleginnen Familien und konnten nicht adäquat ersetzt werden. Ende der 1940er Jahre zerfiel die Big Band allmählich, nicht zuletzt weil diese Art von Swing durch neuere musikalischen Entwicklungen (Stichwort: Bebop) an Popularität verlor. Der halbstündige Dokumentarfilm mit dem schlichten Titel „International Sweethearts of Rhythm“ kam 1986 heraus und zeigt Interviews mit den Protagonistinnen sowie eine Menge Archivmaterial, das die Beliebtheit der Big Band in den 1940er Jahren belegt, ebenso wie die erstklassige Qualität ihrer Musik.

Der Film "Tiny & Ruby - Hell Divin' Women" aus dem Jahr 1988 widmet sich den beiden Afro-Amerikanerinnen Ernestine „Tiny“ Davis & Ruby Lucas, die seit über 40 Jahren ein lesbisches Paar sind. Kennen und lieben gelernt haben sie sich in der Band Tiny Davis and her Hell Divers. Die virtuose Trompeterin und Sängerin Ernestine „Tiny“ Davis – man nannte sie anerkennend den „weiblichen Satchmo“ – leitete die professionelle Frauenband von 1947 bis Anfang der 1960er Jahre, nachdem sie bei den International Sweethearts of Rhythm ausgestiegen war. Die Combo spielte eine unterhaltsame Mischung aus Blues, Swing sowie Rhythm & Blues. Ruby Lucas fungierte erst als Fahrerin, später als Bassistin, Schlagzeugerin und Pianistin der Band. Nach der Scheidung von Tiny Davis (im Jahr 1946), die drei Kinder hatte, wurden Ruby und die Bandleaderin ein Paar. Mitte der 1950er Jahre bis Anfang der 1960er Jahre betrieben Tiny und Ruby dann gemeinsam einen Schwulen-/Lesbenclub in Chicago namens Gay Spot. Hausband waren die Hell Divers. Der 27-minütige Film präsentiert die beiden Frauen und ihre gemeinsame musikalische Lebensgeschichte in Form von Interviews und Archivaufnahmen. Dabei vermitteln sich die ganz unterschiedlichen Persönlichkeiten der Ladies: hier die lebenslustige Vollblutmusikerin im Rampenlicht (Tiny), da die zurückhaltende Organisatorin im Hintergrund (Ruby).

Im 45-minütigen Film „Maxine Sullivan – Love to be in love“ geht es um die Pop-/Jazz-Sängerin aus Pittsburgh, die in New York erfolgreich wurde. Ihre Lebensdaten: 1911–1987. „Sie hatte einen direkten Gesangsstil, einfach, aber mit ungeheurem Rhythmusgefühl. Einfach perfekt“, so Scott Hamilton, Bandleader und Saxophonist. Zwar war ihr keine formale musikalische Ausbildung zuteil geworden, aber Maxine Sullivan stammte aus einer Familie von Musiker:innen. Alle zehn Familienmitglieder spielten irgendein Instrument oder sangen. Die Art von Musik, mit der sie Berühmtheit erlangte, wurde als „Sweet Swing“ bezeichnet. Sie sang unter anderem Swing-Versionen von klassischen Werken und hatte einen Riesenhit namens „Loch Lomond“. Sie trat mit Benny Goodman und Louis Armstrong auf und arbeitete sowohl am Broadway wie auch beim Film. Sullivan tourte durch Großbritannien, wo sie ebenfalls Hits landen konnte. „Ich löste mich langsam vom Folk und kehrte zurück zu meiner Leidenschaft, dem Jazz.“ (Maxine Sullivan) 1957 zog sie sich für 12 Jahre aus dem Showgeschäft zurück, um sich ihrer Familie zu widmen – und nahm ihre Gesangskarriere im Alter von 58 Jahren wieder auf. Seit den 1950ern spielte sie auch Posaune und Flügelhorn. In hohem Alter absolvierte sie zwei Japan-Tourneen. Ab 1983 nahm sie alle drei Monate ein neues Album auf und formte eine feste Band um sich, mit der sie um die Welt tourte. Sie war eine Dixieland- und Swing-Veteranin und erreichte ein großes Publikum von Oldtime-Jazz-Liebhaber:innen. Der Film von Greta Schiller und Andrea Weiss erblickte 1991 das Licht der Welt und dokumentiert die faszinierende Lebens-/Musikgeschichte der afro-amerikanischen Sängerin auf der Basis von zahlreichem Archivmaterial und selbstgeführten Interviews mit Wegbegleiter:innen.

2007 organisierte die „Stürken | Albrecht Druckgesellschaft“ aus Bremen erstmals den Design-Wettbewerb „Battle of Print“. Das Ziel dabei war von Anfang an, „eine optimale Vernetzung zwischen Druckerei und Kreativschaffenden sowie der Wirtschaft in und um Bremen herzustellen", heißt es in einem Statement der Firma. Seither wird jährlich ein Motto für einen Kalender ausgerufen, für das bzw. den Gestalter:innen aus dem Nordwesten der Bundesrepublik Entwürfe einreichen können. Die besten Einreichungen werden gekürt und über eine crossmediale Kampagne verbreitet, bei der Printmedien, Social Media, klassische Online-Kommunikation sowie eine Ausstellung inklusive Vernissage kombiniert sind.

Mittlerweile wird der Design-Wettbewerb in Kooperation mit weiteren regionalen Organisationen veranstaltet, darunter ist beispielsweise der Kommunikationsverband Wirtschaftsraum Bremen e. V. sowie die Wilhelm Wagenfeld Stiftung. Im Jahr 2018 beteiligten sich zudem die Weserburg bzw. das Zentrum für Künstlerpublikationen und das Klaus-Kuhnke-Institut für Populäre Musik (KKI) an der Ausschreibung unter dem Motto „Hands on Vinyl“. In der sechsköpfigen Jury waren unter anderem Peter Schulze, Gründer des KKI, sowie Klaus Voormann, Musiker und Grafiker aus dem Umfeld der Beatles.

Das Motto „Hands on Vinyl“ zielte darauf ab, Re-Designs von LP-Covers anzuregen. Anders ausgedrückt bestand die Aufgabe darin, bestehende Vinyl-Alben neu zu designen. Die Entwürfe sollten die Vorder- und Rückseiten der Schallplatten-Hüllen sowie die jeweiligen Plattenetiketten (in der Mitte) umfassen und in den Originalgrößen eingereicht werden. Aus den Einsendungen wurden die drei besten ausgezeichnet. Neun weitere Entwürfe wurden in den Kalender aufgenommen, der eindrücklich Platten-Cover-Kunst zelebriert.

Den ersten Platz belegte Fabian Giering aus Bremerhaven (Studium: Digitale Medienproduktion / Hochschule Bremerhaven) mit einem Re-Design des Albums „The Beautiful Game“ (2016) der US-amerikanischen Funk-Band Vulfpeck (siehe die rechte Seite des Fotos; die linke Seite des Fotos zeigt den Kalenderrücken). Platz zwei belegte Asja Beckmann aus Bremen (Studium: Illustration und Typografie / Hochschule für Künste Bremen) mit ihrer Neu-Interpretation von „Non-Stop Erotic Cabaret“, einem Album des britischen Synthiepop-Duos Soft Cell aus dem Jahr 1981. Den dritten Platz ergatterte Ivana Kleßen aus Bremen (Studium: Kommunikationsdesign / Kunstschule Wandsbek), die das Album „Dynasty“ (1979) der US-amerikanischen Hard-Rock-Band Kiss umgestaltete.

Einst wurden in Bremen Rundfunkempfangsgeräte produziert, die sich großer Beliebtheit erfreuten. Ursprünglich hatte Otto Hermann Mende 1923 in Dresden die Firma Radio H. Mende gegründet. Da das Unternehmen im zweiten Weltkrieg in die deutsche Rüstungsindustrie eingebunden war, ist das Werk von den Alliierten zerstört worden. 1947 wurde es von Martin Mende, dem Neffen des Gründers, in Bremen wiederaufgebaut. Aufgrund von Protesten wurde der Familien- bzw. Firmenname leicht modifiziert. Fortan trug der Betrieb die Bezeichnung Nordmende und entwickelte sich in der Nachkriegszeit zu einem der führenden deutschen Hersteller von Unterhaltungselektronik.

Neben anderen deutschen Firmen wie Metz, Saba, Grundig oder Telefunken behauptete sich Nordmende aus Bremen heraus auf dem internationalen Markt. Seit Anfang der 1950er Jahre sind neben Radios und Schallplattenspielern auch Fernsehgeräte produziert worden und die Geräte konnten in mehr als 100 Länder exportiert werden. Es herrschte eine Art Goldgräber-Stimmung bei Nordmende und so wurden weitere Werke im Bremer Umland errichtet.

Ein Markenzeichen von Nordmende war das moderne Produktdesign. Besonders ein mobiles Transistorradio mit Namen „Transita“ repräsentierte den Freiheitsdrang und die Coolness der jungen Generation sowie den Sound der Zeit: den Übergang vom Rock 'n' Roll der 1950er zur Beatmusik der 1960er Jahre. „Transita“ war praktikabel, denn man konnte es wegen seiner kompakten Maße und des Batteriebetriebs einfach immer dabei haben und so die aufregende, neue Musik überall empfangen.

Ende der 1970er Jahre geriet Nordmende in die Krise, ähnlich wie andere deutsche Hersteller, z. B. Saba und Telefunken. Alle drei genannten Unternehmen wurden von der französischen Firma Thomson übernommen und dann sukzessive abgewickelt bzw. wegrationalisiert. Trotz Unterstützung des Bremer Senats mussten die Nordmende-Werke in Bremen und umzu geschlossen werden. Die Markenrechte von Nordmende wurden allerdings weiterverkauft und so erlebte „Transita“ im Jahr 2017 als Nordmende-DAB-Digitalradio im Retro-Design eine Wiedergeburt.

Ob der Osten wirklich rot ist, wird in diesen Tagen wieder heiß diskutiert. Der Krieg in der Ukraine und die Allianz zwischen Russland und China bieten Anlässe, um erneut über geopolitische Separierungen wie Ost versus West oder Kommunismus versus Kapitalismus nachzudenken. Dass solche Dualismen Zuspitzungen sind und die Welt de facto bunter bzw. facettenreicher ist, muss man sich dabei ins Gedächtnis rufen.

Einen Denkanstoß in diese Richtung liefert diese Box mit drei Vinylplatten und einem Begleitheft. Die Box ist China gewidmet und enthält die Volksoper bzw. das Epos „The East Is Red“, welche/s zum 15. Jahrestag der Volksrepublik (Gründungsjahr: 1949) im Jahr 1964 entstanden ist. Darin wird die Chronologie der chinesischen Revolution nachgezeichnet.

„The East Is Red“ wurde auch verfilmt. Der Film erschien 1965 in China und zeigt die historischen Ereignisse in einer stilisierten Inszenierung, welche stark geprägt ist vom Maoismus und die bevorstehende Kulturrevolution (1966–1976) bereits andeutet. In einer pompösen Bildsprache werden riesige Staatsgebäude sowie Menschenmassen dargestellt, die synchronisiert singen und tanzen. Dazu erklingt ein gewaltiges Orchester, das sich sowohl aus traditionell-chinesischen wie klassisch-europäischen Instrumenten zusammensetzt. Der massive Chorgesang wird immer wieder von Solo-Arien und gesprochenen Textpassagen unterbrochen.

Die vorliegende Box enthält den Soundtrack des Films. Im Untertitel heißt es: „Ein Festspiel der Revolution, aufgeführt in Peking von 3.000 Arbeitern, Bauern, Studenten und Soldaten der Volksrepublik China“. Kurios ist der Umstand, dass die Vinylplatten-Box nicht in China, sondern in den USA veröffentlicht worden ist, und zwar 1971 bei dem in Brooklyn/New York ansässigen Label Paredon Records (1970–1985), das sich auf revolutionäre, linke Bewegungen und ihre jeweiligen Protestmusiken spezialisiert hatte.

Der ausgeprägte politische Impetus, der in dieser Box zu finden ist, regt an zu Reflexionen über vermeintlich klare Grenzen zwischen Ost und West bzw. kommunistischen und „freien“ Staaten. Nicht zuletzt die Tatsache, dass an der Hochschule für Künste Bremen auch Menschen aus China studieren (ebenso wie Personen aus Russland und der Ukraine), sollte zu denken geben. Aber auch die Grenze zwischen klassischer und populärer Musik wird in dieser Produktion durchkreuzt. Hier handelt es sich im wahrsten Sinne des Wortes um Musik der/für Massen.

Als dieses Buch vor 28 Jahren erschienen ist, war noch nicht abzusehen wie sich das Internet bzw. dessen Musikangebot entwickeln würde. Heutzutage mag ein Schriftbanner wie „Entdecken Sie das Internet“ auf dem Umschlag einer Publikation süß anmuten, damals konnte man allerdings nicht voraussetzen, dass alle potentiellen Leser:innen dieses weltweite Kommunikationsnetz kennen. Es war in der breiten Öffentlichkeit schlichtweg noch nicht angekommen. Zwar lassen sich dessen Ursprünge bis in die 1960er Jahre zurückverfolgen, als das US-Militär damit zu experimentieren begann, aber es dauerte fast drei Jahrzehnte bis das kommerzielle Potenzial erkannt und genutzt wurde. Zuvor hatten sich über viele Jahre Wissenschaftler:innen aus diversen Disziplinen mit dem Internet befasst, die Technologie dahinter weiterentwickelt und die Anwendungsmöglichkeiten getestet.

Zu den Autoren des Buches heißt es auf dem Einband: „Jens Grabig ist ein Internaut der ersten Stunde. Mit seinen Mitarbeitern Gerald Struck und Tobias Trelle ist er (fast) rund um die Uhr 'online', um für Sie die besten Plätze im Internet zu erforschen“. Grabig und sein Team haben Mitte der 1990er Jahre vergleichbare Bücher zum Thema Internet veröffentlicht, darunter „Sport im Internet“ (1995), „Reiseplanung im Internet“ (1995) und „Erotik im Internet“ (1995), die allesamt bei Sybex erschienen sind, einem der „Pioniere im Computerbuchmarkt in Deutschland“, wie auf der Website des Verlages zu lesen ist.

Wie gering das Angebot an musikbezogenen Online-Informationen noch war, ist allein schon dem Klappentext zu entnehmen: „Es [das Internet] bietet zu über 1600 Musikgruppen mehr als 1000 Web-Seiten. [...] Tauschen Sie sich in Newsgroups aus, oder laden Sie Sounds und Videos auf Ihre Festplatte. Informieren Sie sich über aktuelle Konzerttermine und Diskographien". Nichtsdestotrotz war offenbar schon das gesamte stilistische Spektrum verfügbar. "Die Informationsvielfalt ist gewaltig. Zu allen Genres finden Sie, was das Fanherz interessiert: ob Mainstream oder Underground, Klassik und Rock, Pop, Rap, Hip-Hop, Soul, Jazz, Beat, Blues... .“ Da es an übergeordneten (Streaming-)Plattformen und Meta-Suchmaschinen noch mangelte, machte eine Publikation wie diese also durchaus Sinn.

Nachdem die Autoren in die „größte Musikmesse der Welt“ eingeführt haben, geben sie eine Reihe von Tipps zur Software-Installation, zur Nutzung des Internets sowie zur „Netiquette“. In einem Glossar werden die wichtigsten Begriffe (z. B. E-Mail, HTML oder Link) beschrieben. Der zweite Teil des Buches ordnet Internetadressen von Solokünstler:innen und Bands unter Oberbegriffe wie „Alternative, Indie & Industrial“ (z. B. Dead Can Dance, Einstürzende Neubauten oder Sonic Youth), „Hard & Heavy“ (z. B. AC/DC, Scorpions oder White Zombie), „Hip-Hop, Jazz, R&B“ (z. B. Albert Ayler, Jazzkantine oder Snoop Doggy Dogg), „Rock & Pop“ (z. B. Paula Abdul, Björk oder Die Prinzen) sowie „Techno, Rave & Ambient“ (z. B. 2 Unlimited, Laurent Garnier oder Marusha). Darüber hinaus werden Websites sortiert unter „Archive & Online-Magazine“ (z. B. Audio-Datenbank, Techno.Net oder Virtual Radio), „Instrumente & Musiksoftware“ (z. B. Fender, MIDI Farm oder Steinberg) sowie „Labels“ (z. B. BMG, Geffen Records oder Polygram) und „Verrücktes & Verschiedenes“ (z. B. Beavis & Butt-Head, Deutsche Welle Musikwunsch oder Rock-'n'-Roll-Clubs in Österreich). Selbstverständlich werden auch für „Klassische Musik“ Websites angegeben (z. B. Klassische Gitarre, Bach oder New Zealand Symphony Orchestra). Alles in allem ein spannendes Dokument zu den Anfängen der (Populären) Musik im Internet.

Es ist erstaunlich, welche Reichweite die Band Versengold erzielt. Sie wurde 2003 im Bremer Umland (Osterholz-Scharmbeck) gegründet und wird 2023 ihr zwanzigjähriges Bestehen feiern. Der deutschsprachige Folk-Rock der sechs Musiker:innen setzt unter anderem auf traditionelle Instrumente wie die Nyckelharpa, die Bouzouki, die Mandoline oder die Fiddle. 2022 erschien das achte Album der Formation unter dem Titel „Was kost die Welt“ und belegte Platz 1 der deutschen Album-Charts.

An dieser Stelle soll es jedoch um das Vorgängeralbum „Nordlicht“ gehen, das 2019 veröffentlicht worden ist und immerhin Platz 4 der deutschen Album-Charts erreichte. Aufgrund des kommerziellen Erfolgs wurde auch eine limitierte Fan-Box auf den Markt gebracht. Diese enthält neben dem „Nordlicht“-CD-Longplayer (14 Titel) eine Blu-ray-Disc, auf der die Video-Dokumentation „15 Jahre Versengold. Das Jubiläumskonzert live in Hamburg“ (mit 28 Songs) aus dem Jahr 2018 festgehalten ist. Zusätzlich sind Merchandise-Produkte beigegeben wie ein Sturm-Feuerzeug, eine Kette mit Anhänger sowie ein Schnapsglas.

Die Box bietet eine Menge handgemachte Musik, die spritzig vorgetragen ist und mit ironischen Texten daherkommt. Thematisch kreisen die schnellen Tanzlieder und kratzigen Balladen vor allem um den rauen Norden, das Meer, mittelalterliche Trinkgelage, Berichte historischer Ereignisse und Liebesbeziehungen. Dabei werden hin und wieder gesellschaftskritische Anspielungen eingeflochten, die sich auf die Gegenwart beziehen.

Die Konzertaufzeichnung aus dem Jahr 2018 zelebriert die fünfzehnjährige Bandgeschichte mit einer Querschnittsauswahl von eigenen Liedern vor großem Publikum. Die Fans singen mit und tanzen ausgelassen. Eine Reihe von Gastmusiker: innen wird auf der Bühne begrüßt. Live funktioniert die Musik von Versengold offensichtlich sehr gut, nicht zuletzt, weil sie professionell und schwungvoll präsentiert wird – allerdings ohne viel Drumherum. Nur die Musiker:innen, ihre Instrumente und die Freude stiftende Performance.

Skurrile Musik und ein unauffindliches Album stehen dieses Mal im Mittelpunkt. Das „Hotcha Trio" aus den Niederlanden war vor Jahrzehnten mit heiterer Mundharmonika-Musik bzw. musikalischer Clownerie ziemlich erfolgreich. Inspiriert von Mundharmonika-Star Borrah Minevitch und seiner Gruppe The Harmonica Rascals startete die Formation 1938 in Rotterdam unter dem Namen 5 Hotchas, damals noch zu fünft.

Als die Gebrüder Wim und Cor Belder 1949 nach Australien auswanderten, verblieben Joop Heijman (Solo-Mundharmonika), Geert van Driesten (Bass-Mundharmonika) und Eddie Sernee (Vineta bzw. Akkord-Mundharmonika), die fortan das Hotcha Trio bildeten. In den folgenden Jahren wechselten die Bass-Mundharmonika-Spieler einige Male durch, das Trio bestand jedoch noch bis 1970. Die Hochphase des Trios war in den 1950er Jahren. Zu dieser Zeit galten sie als „Nederlands Populairste Artiesten“. Sie nahmen zahlreiche Platten auf, machten Welttourneen, hatten Auftritte in Varieté-Shows und im Fernsehen sowie Gastrollen in diversen Filmen und lukrative Werbeverträge.

Das Label Philips vermarktete das Trio auch im deutschsprachigen Raum, indem es die Mundharmonika-Virtuosen einige Kinder- und Volkslieder sowie Schlager instrumental vertonen lies (z. B. „Blumenwalzer“, „Wiener Blut“ oder „Du liegst mir am Herzen“). Mitunter stellte man den Dreien eine namenlose „rhythmische Begleitung“ zur Seite, das heißt einen Kontra- oder E-Bass und ein Schlagzeug. Stilistisch deckte das Trio ein breites Spektrum ab und versuchte sich ebenso an Rock-'n'-Roll-, Country- sowie Latin-Stücken. Stets waren die Uptempo-Arrangements schmissig, humorvoll und tanzbar.

Das Klaus Kuhnke Institut (KKI) hat eine Original-Kompaktkassette im Archiv, die eine Best-of-Auswahl des Trios präsentiert. Leider gibt das Fundstück wenig Informationen preis. Das Erscheinungsjahr ist unklar (vermutlich irgendwann in den 1980er Jahren). Immerhin erfährt man, dass die Kassette in Deutschland produziert bzw. erschienen ist. Zum ausgewiesenen Musiklabel namens „Cross“ ist allerdings nichts zu finden. Das Album taucht in keiner Diskographie des Trios auf. Der verknappte Hinweis „Trad. Bearb. J. Sprangers“ lässt erahnen, dass es sich dabei um den Namen eines externen Arrangeurs handeln könnte. Das Erscheinungsbild der Kassette ist lieblos und deutet auf eine kostensparende Produktionsweise hin. Die Musik selbst ist ein Reinhören dennoch wert.

In diesem Buch zur gleichnamigen Ausstellung wird Jugend als vielschichtiger Themenkomplex verhandelt. Beeindruckend ist, dass Mitte der 1980er Jahre bereits eine derart differenzierte Sicht auf Jugendlichkeit in (West-)Deutschland möglich war. Der umfangreiche Band (436 Seiten) versammelt viele kurze Texte und unzählige Fotos von diversen Autor:innen und Fotograf:innen. 

„Das Sehen ist der Ausgangspunkt dieses Projekts“ (S. 9), schreiben die Herausgeber bzw. Ausstellungsmacher. Sie betrachten das Phänomen Jugend von mehreren Seiten und vermeiden Bewertungen. „Das Projekt will […] versuchen, dem ,Gegenstand‘ seine ursprüngliche Faszination zu lassen. Ästhetik meint hier im ganz ursprünglichen Sinn: Zeigen und Schauen. Nicht die Geschichte der Jugend(-kulturen) allgemein soll nachgezeichnet werden, sondern ihre ästhetischen Ausdrucksformen, ihre Bedeutung und die Geschichte ihres Gebrauchs. Nur insofern stehen ,Exoten‘ im Mittelpunkt. Um sich aber nicht in der Sinnlichkeit dieser Phänomene zu verlieren, ist es notwendig, den ,normalen Umgang‘ mit den Dingen, den Umgang mit den ,normalen Dingen‘ in die Betrachtung mit hinein zu nehmen. Die ,normalen Jugendlichen‘ wie die ,Erwachsenenwelt‘ werden als Kontrast für eine Darstellung benötigt, die der ästhetischen Abweichung Sinn unterstellt und die subkulturellen Phänomene als einen ästhetischen Reflex, als eine Antwort auf die Notwendigkeiten und spezifischen Problemkonstellationen ihrer Zeit begreift.“ (S. 9)

Das Buch beginnt mit den 1980er Jahren und arbeitet sich von dort Jahrzehnt für Jahrzehnt zurück bis zum Beginn des 20. Jahrhunderts. Selbstverständlich spielt Populäre Musik dabei eine wichtige Rolle. Angefangen mit Punk und Techno der achtziger Jahre, über Rock- und Popmusik der siebziger, Beat- und Schlagermusik der sechziger, Rock ’n’ Roll der fünfziger sowie Swingmusik der zwanziger, dreißiger und vierziger Jahre. Selbst Volks- und Arbeiterlieder zwischen 1900 und 1920 werden thematisiert.

Was das Buch sehr schön aufzeigt, ist die enge Verbindung von Musik, bildender Kunst und Mode bzw. Fashion, aber auch die übergeordnete historische Kontextualisierung mit ihren vielfältigen politischen und sozialen Querverweisen kommt keineswegs zu kurz. Oder wie es der Klappentext prägnant zusammenfasst: „… von Wandervögeln und Punks, von Wilden Cliquen und Blumenkindern, von Bündischen und Antiautoritären, und vielem anderen mehr“.

In Zeiten des Internets sind musikbezogene Erklärvideos oder -podcasts omnipräsent. Das war in den 1950er Jahren noch ganz anders. Damals lieferten neben Büchern und Zeitschriften vor allem Radiosendungen musikrelevante Informationen. In einigen wenigen Fällen waren es Schallplatten, auf denen Musik erklärt wurde.

Ein Beispiel dafür ist diese 10-Zoll-Vinylplatte mit dem Titel „Jazz und alte Musik“, die einen Vortrag mit Musikbeispielen enthält. Sie ist 1957 in der Aula der Hamburger Schule am Mittelweg aufgenommen und im selben Jahr auf dem Label Telefunken veröffentlicht worden. Die beiden Vortragenden sind der Jazzjournalist/-publizist Joachim-Ernst Berendt und der Musikwissenschaftler Dr. Joachim Tröller, ein Experte für Alte Musik. Die Musikbeispiele stammen vom Wolfgang Lauth Quartett, einem Jazzquartett um den Pianisten Wolfgang Lauth, mit Werner Pöhlert an der halbakustischen E-Gitarre, Peter Trunk am Kontrabass und Joe Hackbarth am Schlagzeug. Eine namenlose „Schülerin der Musikhochschule Mannheim“ liefert die improvisierten Cembalo-Passagen.

Die Live-Aufnahme bietet „mit ihren knapp 40 Minuten einen Ausschnitt aus einer zweistündigen Veranstaltung“, bei der auch „Lichtbilder“ gezeigt wurden, welche auf der Platte aber selbstverständlich nicht zu sehen sind. Mit dieser Veranstaltung tourten die beiden Vortragenden und die Musiker:in damals durch deutsche Universitäten und Schulen – und zwar mit der Intention, sowohl Jazz als auch alte Musik (zu der Zeit noch klein geschrieben) der Bevölkerung näher zu bringen. Freilich standen die Gemeinsamkeiten der beiden Musiktraditionen dabei im Vordergrund: Improvisation, Bassmotivik, geistlich-weltliche Volksmelodien, durchgehender Rhythmus, tonale Kolorierungspraxis etc.

Allerdings legen die beiden Vortragenden Wert darauf, dass es nicht darum gehe, die jeweils andere Musiktradition mit dem Aufzeigen der Parallelen zu rechtfertigen oder künstlerisch aufzuwerten. Vielmehr sollen musikhistorische und musikanalytische Fakten geliefert werden, um ein besseres Verständnis von Jazz sowie alter Musik zu befördern. 
Das Wolfgang Lauth Quartett spielt fünf Stücke, die man heutzutage dem sogenannten Cool Jazz zuordnen würde, darunter zwei Kompositionen von Wolfgang Lauth selbst sowie jeweils eine von Fats Waller, Meade Lux Lewis und John Lewis. Neben den kurzen Passagen, in denen die Cembalo-Studentin die Generalbass-Spielpraxis demonstriert, wird auch ein Hörbeispiel präsentiert, das einen Mitschnitt aus dem Gottesdienst einer afro-amerikanischen Gemeinde in Harlem/New York erklingen lässt.

Der gesamte Vortrag ist im zeittypischen pathetisch-übertonten Sprechstil der 1950er Jahre gehalten und verwendet viele Male das N-Wort, um die afro-amerikanischen Anteile der Jazztradition zu kontextualisieren. Das mag in unseren Ohren unangemessen klingen, entsprach jedoch dem Zeitgeist und lässt an keiner Stelle abwertendes bzw. rassistisches Gedankengut erkennen. Im Gegenteil: Es geht gerade darum, die Bedeutung des Beitrags von Afro-Amerikaner:innen für die Entwicklung des Jazz zu würdigen. Insofern handelt es sich bei diesem hörenswerten Zeitdokument um ein frühes Beispiel für sogenannte interkulturelle Musikvermittlung.

Frank Wonneberg bewegt sich seit Jahrzehnten zwischen den Künsten Musik, Graphik und Literatur. Aus einer ostdeutschen Musikerfamilie stammend erlernte er zunächst das Handwerk des Schriftsetzers, studierte dann Musikwissenschaft sowie Kulturgeschichte und arbeitete viele Jahre als Graphiker in der Verlagswelt, wo er Zeitschriften mitgestaltete, und im Musikbusiness für Plattenlabels, Musikveranstalter sowie Rockbands, für die er Plattencovers und Plakate entwarf. Zwischenzeitlich betrieb er außerdem einen Mailorder für Vinylschallplatten und brachte eine Zeitschrift namens „Living Vinyl“ heraus. Mit seinem „Vinyl-Lexikon“ trat er im Jahr 2000 erstmals als Buchautor in Erscheinung. Es folgten weitere überarbeitete Auflagen seines Schallplatten-Standardwerkes sowie das Buch „Grand Zappa“ (2010) über den US-amerikanischen Musiker Frank Zappa (1940–1993).

Im Jahr 2019 publiziert Wonneberg dann einen limitierten Fake-Kunst-Kalender, der sich ebenfalls mit Frank Zappa auseinandersetzt. Darin bildet er die Covers von Vinylplatten ab, die der sagenumwobene Musiker angeblich hinter dem „Eisernen Vorhang“ veröffentlichen konnte. Wonneberg fabuliert von „unbekannten Tonträgern aus dem ehemaligen Ostblock“ bzw. von „raren Lizenzausgaben kommunistischer Schallplattenfirmen“, die in einem mysteriösen Pappkarton aus dem Nachlass des schweizerischen Sammlers Beat Rupp verpackt gewesen und im Archiv der Varèse-Zappa-Gesellschaft in Basel gelagert worden seien. Wonneberg habe 2018 das Archiv besucht und dabei diese Platten zufällig entdeckt.

Die fiktive Story ist im Kalender ausgeführt und mit allerlei Details gespickt, welche sie realistisch erscheinen lassen. Dennoch handelt es sich um ein amüsantes Spiel mit der Wahrheit, das allerdings Eingeweihte und Zappa-Kenner als Fantasie bzw. Sammler-Traum des Künstlers entlarven können. Mit einem neorealistischen Ansatz „faksimiliert“ Wonneberg „ein knappes Dutzend überaus seltener […] Langspielplatten sowie eine Single“. Neben dem jeweiligen Frontcover wird auch die A-Seite des Tonträgers gezeigt. Die Bildunterschriften beinhalten Angaben zum Erscheinungsjahr, der Katalognummer, zum Ursprungsland und der Plattenfirma in der jeweiligen Landessprache. Zudem gibt es die Matrizennummer, die Angaben zur Originalaufzeichnung bzw. zum Lack-Umschnitt, zum Hersteller, zur Quelle der Tonaufzeichnung, zum Medien-Format, zur Vinylqualität, Grammatur und zum Prädikat aus Sicht des Sammlers. Alles erfunden natürlich!

Angeblich seien die abgebildeten Zappa-Platten in Albanien, Bulgarien, China, Kuba, der Tschechoslowakei, in Ostdeutschland, Ungarn, Nordkorea, Polen, Rumänien, der Sowjetunion und in Jugoslawien erschienen. Entsprechende Monopol-Labels wie Amiga, Supraphon oder Balkanton hätten die Vinyls mit staatlicher Genehmigung unters Volk gebracht. Und tatsächlich wirkt die Illusion durch Wonnebergs täuschend echte Nachbildungen der Label-Designs und -Ästhetiken. Nur Muttersprachler bzw. Fachleute erkennen kleine Fehlerchen bei den landestypischen Schreibweisen. 
Da Frank Zappa mehr als zwölf Alben veröffentlicht hat, musste Wonneberg eine Auswahl treffen, die einen Querschnitt durch Zappas Werk liefert. In jedem Falle ist das Original wiederzuerkennen, wenngleich es verfremdet dargestellt ist. Hier paart sich gelungenes Kunsthandwerk, Sachkenntnis und verschmitzter Humor. Eine Freude – nicht nur, aber vor allem für Zappa-Fans.

Never judge a book by its cover. Keeping this international motto in mind, we are venturing to take a look at a marketing gift for customers and consumers by the Maxell company. Based in Japan, the firm is operating internationally with many branches in other countries, among them Germany. Their production lines include(d) batteries and storage media such as cassettes, audio tapes, disks, blank CDs and DVDs, as well as iPod accessories and remote controls, microphones, head sets, soundbars and beamers.

It seems that Maxell has tasked the German publishing company Compact Verlag to create an extraordinary gift for customers and business partners in German speaking Europe, containing facts on popular music in an handy and abbreviated form. Even so the “Mini Lexicon” spans 255 pages with short entries listing and describing musicians and bands from ABBA to ZZ Top. Compact information on musical terms such as “a cappella” or “Disco” can be found between these names, while individual performers are cross referenced to relevant bands such as Kurt Cobain to Nirvana or Steve Nicks to Fleetwood Mac.

On a stylistic level, the booklet keeps the promises made in the title: The mainstream rock and pop from the 1960s up to the 1990s is being covered and augmented by a scattering of entries on hiphop artists such as Grandmaster Flash and the Furious Five, Salt'n'Pepa or Run D.M.C. Yet artists who ruled the charts during the 1990s dominate. As is typical for the genre of these reference books overall, artists from the US and Britain receive preferential treatment. But there are entries on German artists and formations such asNena, Udo Lindenberg or the Fantastischen Vier.

While one meets many famous names perusing the pages, there are (re)discoveries of lesser known singers and bands. Can anyone remember Pat Benatar, to name such one example? Here is what the work says about her: “Pat Benatar (Patricia Andrzejewski, * 1-10-52) started out as a cabaret performer in 1975, before turning to rock in 1978. From then on the singer with the rough-ish voice delivered numerous hits with songs such as Fire And Ice (1981), Shadows Of The Night (1982) and Love Is A Battlefield (1984)” (p. 25).

Seen from a design perspective, the cover of the miniature lexicon is a disaster and people with poor eyesight will be puzzled (one can only guess at the identities of the band and the solo guitarist pictured on it). Furthermore the way the book title is written is ungrammatical. The text is dotted with orthographical mistakes, even though three editors are named in the contents. But while the appearance speaks of carelessness, this is still a reference book(let) with an amazingly dense offering of information while measuring just two thumbs wide and high.

Wer eine konventionelle Musik-Dokumentation im Stile einer Künstlerinnen-Biografie erwartet, wird von diesem selbstbetitelten „Musikfilm“ enttäuscht sein. Die aus der DDR stammende Musikerin Nina Hagen, die heute weltweite Verehrung genießt, wird vielmehr in avantgardistischen Bewegtbildern präsentiert. Der australisch-deutsche Filmemacher Peter Sempel veröffentlichte sein experimentelles „Portrait in Collageform“ (so der Hüllentext) erstmals 1999. Im Jahr 2005 hat er dann einen neuen Director’s Cut herausgebracht, um den es an dieser Stelle geht. 

Der Film beginnt damit, die Vielseitigkeit der Künstlerin herauszustellen. Nina Hagen singt traditionelle indische Ragas, italienische Opernarien und französische Chansons. Neben ihrer Muttersprache Deutsch spricht sie über weite Strecken auf Englisch in die Kamera. Das polyglotte Setting wird durch Szenen in New York, Paris, Hamburg und Delhi verstärkt, um nur einige Drehorte zu nennen. Über einen Zeitraum von 20 Jahren hat der Filmemacher die berühmte Exzentrikerin begleitet, die sich immerzu im Performance-Modus zu befinden scheint.

Ständig schneidet sie Grimassen, spielt mit den vielfältigen Ausdrucksweisen ihres beeindruckenden Stimmumfangs, läuft ziellos hin und her, äußert esoterische Sentenzen wie „I’m jewish-indian-buddha-voodoo“ und bewegt sich lasziv in figurbetonten Outfits. Der Umstand, dass sie im Verlauf des Films mit schwarzen, grünen, blonden, roten sowie rosafarbenen Haaren bzw. Perücken zu sehen ist und dabei stets stark geschminkt und schmuckbehangen auftritt, unterstreicht ihr permanentes Bedürfnis nach Rollenwechseln und großen theatralischen Gesten.

Obwohl sie oft und lange in Nahaufnahmen zu beobachten ist und sie dabei einigermaßen frei und ungezwungen wirkt, hat man dennoch den Eindruck, nicht hinter ihre Fassade blicken zu können, also eigentlich wenig über sie zu erfahren. Es hat den Anschein, als wäre sie in ihrem neurotischen Image gefangen, als müsste sie es um jeden Preis bedienen, um interessant zu bleiben, ungreifbar, entrückt. Selbst in vermeintlich intimen Szenen, in denen sie sich verletzlich gibt, etwa wenn sie auf dem Boden sitzend Schuberts Ave Maria unbegleitet und mit zittriger Stimme ins Dunkel haucht, ist ihr unbedingter Wille zur Inszenierung spürbar. Auf die Frage des Filmemachers, was denn ihre Lieblingsoper sei, antwortet sie nur lakonisch: „The opera of my life“.

Zwar ist Nina Hagen für ihren opernhaften Gesang bekannt, gleichwohl hat sie sich den Nimbus der „Godmother of Punk“ erworben. Auf diesen globalen Ruhm scheint der Titel des Films anzuspielen („Punk + Glory“). Es kommen einige Stars aus der internationalen Musik- und Filmwelt zu Wort, die sie rühmen. Neben Udo Lindenberg und Otto Waalkes sind beispielsweise Wim Wenders, Anthony Kiedis (Sänger der Red Hot Chili Peppers) oder Lemmy Kilmister (Frontmann von Motörhead) voll des Lobes für die unangepasste Frau, welche sie für ihre kompromisslose Kunst und ihr gesellschaftspolitisches Engagement schätzen.

Auffällig ist jedoch, dass sie allesamt ihre Attraktivität erwähnen. Offenbart sich hier eventuell ein männlicher Blick auf die „feministische Revolutionärin“ (Udo Lindenberg), nicht zuletzt weil ein Mann den Film gemacht hat? Vielleicht in Teilen. Vordergründig bleibt aber der Respekt für ihre Bühnenpräsenz, ihren Witz und ihre spielerische Art im Umgang mit Geschlechterrollen. Insofern verwundert es nicht, dass auch einige begeisterte O-Töne aus der transsexuellen Community zu vernehmen sind.

Der Film verzichtet auf ein genuines Narrativ, einen roten Faden. Es bleibt der/dem Zuschauer:in überlassen, sich eine Meinung zu bilden. So gibt es zum Beispiel einige Szenen, in denen Nina Hagen in ihrem privaten Zuhause mit ihren Kindern Cosma Shiva und Otis zu erleben ist. Dabei irritiert es mitunter wie sie vor der Kamera posiert, während im Hintergrund ihre Kinder gelangweilt warten müssen. Die Ästhetik des Films ist jedoch auf kurze persönliche Eindrücke ausgerichtet, die angereichert werden mit Landschafts- und Straßenszenen, Bildern von Tieren und vorbeiziehenden Menschen. Es geht um das Dazwischen, um Übergänge und Uneindeutiges. Wenn man es sich einfach machen will, könnte man behaupten, es sei eben ein Kunstfilm. Er endet jedenfalls mit dem vielsagenden Ausspruch seiner Protagonistin: „Ich benutz' das alles als Spiel“.

Nichtsdestotrotz erfährt man Etwas über Nina Hagen, was eine herkömmliche Dokumentation in dieser Form wahrscheinlich nicht herausgearbeitet hätte. Nämlich wie breit das Spektrum ihres künstlerischen Schaffens tatsächlich ist; dass Nina Hagen weit mehr ist als eine Vorreiterin der Punk-Bewegung. Dezente Anspielungen auf singende Schauspielerinnen wie Zarah Leander, Marlene Dietrich und ihre eigene Mutter Eva-Maria Hagen stehen neben musikstilistischen Verweisen auf Funk, Disco, Rap und Oper sowie auf die gesamte Rockgeschichte. Der minimalistische Soundtrack des Films bildet den Klangteppich für viele extravagante Beispiele aus Nina Hagens musikalischem Œuvre, die ergänzt werden durch nicht weniger spezielle Musikeinspielungen von Bands wie den Einstürzenden Neubauten, Yello oder Tulip, die singende Tulpe.

Black Europe. The Sounds and Images of Black People in Europe pre-1927, Compilation Box, Deluxe Edition mit 2 Hardcover-Büchern und 45 CDs, hrsg. von Jeffrey Green, Rainer E. Lotz & Howard Rye, unter Mitwirkung diverser Autor:innen, limitierte Auflage: Nr. 251 von 500, Holste: Bear Family Records 2013.

In ihrem Umfang und der inhaltlichen Tiefe ist „Black Europe“ ein ganz besonderes Highlight der Sammlung des Klaus-Kuhnke-Instituts.

Rainer E. Lotz, ein in Fachkreisen bekannter deutscher Musiksammler und Privatforscher, hat gemeinsam mit einigen Mitstreiter:innen eine Deluxe Box mit 600 Buchseiten (2 x 300), 1244 Tracks auf 45 CDs (Gesamtspielzeit knapp 57 Stunden) sowie 2000 farbige Abbildungen (Fotografien, Plakate und Filmszenen) zusammengetragen und ausgewertet. Das in Holste-Oldendorf ansässige Plattenlabel Bear Family Records hat die extrem aufwändig gestaltete Sammler:innen-Box herausgebracht – mit einer limitierten Stückzahl von nur 500 Exemplaren.

Zielgruppe für diese Kollektion, die sieben Kilogramm wiegt und für knapp 2000 Euro erhältlich ist, sind große Bibliotheken, Archive und Museen. Da alle Texte in englischer Sprache verfasst wurden, richtet sich „Black Europe“ von vornherein an ein internationales Fachpublikum.

Neben der Materialdichte besteht die Besonderheit dieser kuratierten Box in der historischen Eingrenzung auf die Zeit vor 1927. Die berechtigte Frage, warum gerade diese zeitliche Beschränkung, ist schnell beantwortet: Um 1927 herum wurde das vollelektrische Mikrofon erfunden, mit dem fortan die meisten Schallaufnahmen gemacht worden.

Inhaltlich beschäftigt sich dieses Pionierprojekt mit Schwarzen Menschen, deren Einfluss auf die Entwicklung der modernen Massenmedien (vor allem in Europa) lange Zeit übersehen worden ist. Dabei waren sie von Anfang an maßgeblich beteiligt bei der Entstehung der Tonträger- und Film-Industrie und wurde auf Phonographen-Zylindern, Grammophon-Platten und in den ersten Filmen (sowie in den noch jungen Printmedien) vermarktet. „Black Europe“ zeigt anhand von mehr als 100 individuellen Biographien wie Schwarze Menschen um die Jahrhundertwende die Anfänge des europäischen Entertainments geprägt haben und mit welchen rassistischen Vorurteilen sie konfrontiert waren.

Weitere Infos zur Box finden Sie hier.  

Der indischstämmige Perkussionist, Schlagzeuger und Sänger Trilok Gurtu lebt seit vielen Jahren in Hamburg. Sein musikalischer Lebensweg hat ihn jedoch um den gesamten Erdball geführt. Unzählige Kooperationen mit Künstler:innen wie Angelique Kidjo, Salif Keita, Neneh Cherry, John McLaughlin, Joe Zawinul, Pat Metheny, Dave Holland oder Jan Garbarek belegen seine stilistische Offenheit.

1988 veröffentlichte er seine Debüt-Platte „Usfret“ beim deutschen Label Creative Music Productions (CMP) Records. Dort definierte er erstmals seine Version von sogenannter World Music. Neben seiner Mutter Shobha Gurtu, einer bekannten Sängerin der klassischen indischen Musiktradition, wirken auch große Namen aus dem Jazzkontext mit, die sich ebenfalls mit regionalen Spielarten von World Music auseinandergesetzt haben – wie z. B. der Trompeter Don Cherry, der Gitarrist Ralph Towner oder der Bassist Jonas Hellborg.

Starken Einfluss auf die Platte hatte der aus Bremen stammende Produzent Walter Quintus, der die Aufnahmen musikalisch mitgestaltete. Das markante Plattencover bzw. Artwork verantwortete der Hamburger Graphikdesigner Ulf von Kanitz, der zum Haus-und-Hof-Graphiker des CMP-Labels avancierte. Bei CMP veröffentlichten viele (internationale) Jazzstars wie Joachim Kühn, Christof Lauer, Dave Liebman, Richie Beirach oder der Cream-Bassist Jack Bruce.